△《The Plaza》Artist: Richard Estes, 36 x 66", oil on canvas, 1991. 1980 年我第一次初到紐約，正逢超寫實主義（Hyperrealism）繪畫如火如荼、鑼鼓喧天之際，紐約畫壇正呈現出一片野火燎原、一發不可收拾的態勢。 探望過幾位台灣畫家在紐約奮鬥的情況，心裡難免為之一震，確實艱辛、難熬，卻又讓人肅然起敬。紐約是當代藝術中心 —— 一處為他們自己架構繪畫生涯的起點，磨其心志，也是讓台灣藝術家印證創作實力的終點驛站。 近代藝術史上任何流派或主義萌芽產生的參與人數較少，但超寫實主義卻是群雄競起、蓬勃爭輝，屈指一算，參與的藝術家就有幾十位。也因此，這個欄題的行進速度快不來，藉諸介紹過程，讓我們可以細心去品味、感受 —— 他們曾經付出過的心血與漫長歲月。都是他/她們的青春，一個人能有多長的旺盛創作期？ 事隔三十幾年了，少數幾位藝術家裊然已經作古，但今天，大多數仍然堅守著他們的執着與夢想，埋首耕耘，正日以繼夜賣力地從事創作，謹以此欄向他們致上最高、最崇敬的敬意。

△ (L.)《The Golden Age》Artist: Gottfried Helnwein, 180 x 180 cm, digital pigment print on vinyl, 2003. △ (R.)《Los Caprichos 9》Artist: Gottfried Helnwein.

△《The murmur of the Innocents 18 2010》Artist: Gottfried Helnwein, 180 cm x 252 cm, mixed media (oil and acrylic on canvas).

查爾斯．貝爾（Charles Bell, 1935 - 1995）是超寫實畫派的一員大將，他的作品最令人印象深刻、讚許的是：畫幅極其巨大。縱使題材僅僅是一些美國人的孩童記憶，但，都是他們一去無以復返的流殤歲月。 貝爾出生在俄克拉荷馬州塔爾薩市 (Tulsa, Oklahoma)，他沒有接受過美術教育，工商管理碩士畢業之後，曾當過會計師。不過，也曾師叔過畫家 Richard Diebenkorn 和 Wayne Thiebaud 學習繪畫，更在舊金山 Donald Timothy Flores 工作室工作過，不過畫的大多只是一些小幅的風景畫而已。直至1967年搬到紐約之後，才正式投入超寫實繪畫的創作。 目前貝爾的作品為紐約大都會博物館、古根漢美術館和日本廣島市博物館所收藏。60 歲往生之前，他得了艾滋病，1995年4月病逝於紐約；他 22 年的合作夥伴 —— 室內設計師 Willard Ching 比他早三年因類似的疾病而去世。 【作品主題與風格】 貝爾創作的主題大多圍繞著早期美國拓荒時期的共同記憶 —— 古董玩具、彈珠台、口香糖投幣機及傳統娃娃。他描繪的玻璃彈珠尤為藝評家所稱道，晶瑩剔透、色相豐富、七彩煥發。 紐約時報還曾引述過 Geldzaler 的名言形容貝爾的創作： " 藝術家最偉大的成就 —— 視覺、技巧和匠心。(The artist‘s greatest achievement -- visually, technically and technologically.) " 貝爾的作品一如泛黃的古樸照片，不僅喚醒記憶，更圓了大家共同的舊時夢想。 　 △ (L.)《Oh Boy》Artist: Charles Bell, 66 x 84", oil on canvas, 1990. △ (R.)《Solitaire Blue, Marble VI》Artist: Charles Bell, 42 x 36", oil on canvas, 1982.

△ (L.)《Rol-A-Top》Artist: Charles Bell, 32.5 x 40", oil on canvas, 1981. △ (R.) 畫家 Charles Bell 的身影，讓後人緬懷過去記憶的藝術創作者。

△《Cat‘s Eyes & Best of ‘Em》Artist: Charles Bell, 52 x 90", oil on canvas, 1993. △《Lucky Lady》Artist: Charles Bell, 50 x 96", oil on canvas, 1990.

△ (L.)《Drop a Penny in the Slot》Artist: Charles Bell, 72 x 84", oil on canvas, 1988. △ (R.)《Sugar Daddy, Gumball X》Artist: Charles Bell, 66 x 66", oil on canvas, 1975.

△《Dazzling Dozen》Artist: Charles Bell, 46 x 66.25", oil on canvas, 1994. △《1 to 4 Can Play》Artist: Charles Bell, 60 x 96", oil on canvas, 1988.

畫家 István Sándorfi (1948 - 2007) 生於匈牙利的布達佩斯，由於父親曾任職於美國公司 IBM 董事，1950 年因政治因素被判入獄 5 年，直到「1956年革命（匈牙利事件）」前幾天才被釋放。 舉家離開匈牙利，輾轉到過奧地利、德國，最後1958年才落腳於法國。Sándorfi 十來歲就開始習作油畫，在巴黎國立高等美術學院獲得了他的學位文憑，並且進一步研讀裝飾藝術。 17歲，第一次在巴黎的一個小畫廊舉行過個展，之後的展覽全於大博物館舉辦。哥本哈根、羅馬、慕尼黑、布魯塞爾、巴塞爾、紐約、洛杉磯和舊金山各地美術館都收藏了他的作品。 2007年12月 Sándorfi 罹患一場急性疾病，旋即辭世，被安葬在他的出生地布達佩斯。 【作品主題與風格】 Sándorfi 的作品風格是奇異迷幻的組合，繪畫的敘述功力非常精確細緻，搭配突如其來的一抹、或者是一大片揮灑的筆觸，全是迷人的魅力元素，錯綜迷離、難以預測捉摸、無法駕駁或者跟隨，都是節奏極為緊湊的現代詩的語言。 有些作品充滿著許多不安與悲情，顯然源自於父親早年的入獄，繪畫變成他抒發心緒的塗鴨媒介，奔波過、流徙過的際遇經驗，讓他的作品流露出 —— 一股股寒沁的美感與冷漠的詩情。 △ (L.)《Hommage a Népharen》Artist: István Sándorfi, 160 x 150 cm, oil on canvas, 1993. △ (R.) 畫家 István Sándorfi 本人十分俊帥，倜儻迷人，作品散發出的魅力更是令人訝異。

△ (L.)《The Resurrection of Titanium White》Artist: István Sándorfi, 230 x 180 cm, oil on canvas, 1985. △ (R.)《Unkown》Artist: István Sándorfi, , oil on canvas.

△ (L.)《Interior-Forgiveness》Artist: István Sándorfi, 195 x 195 cm, oil on canvas, 1987. △ (R.)《Zsuzsi》Artist: István Sándorfi, 116 x 81 cm, oil on canvas, 2007.

△ (L.)《Népharene‘s Hand》Artist: István Sándorfi, 146 x 97 cm, oil on canvas, 1994. △ (M.)《The Fountain of Innocent Women》Artist: István Sándorfi, 195 x 97 cm, oil on canvas, 2004-2006. △ (R.)《Giola With Feather》Artist: István Sándorfi, 130 x 81 cm, oil on canvas, 2006.

△ (L.)《Forbidden Fruits》Artist: István Sándorfi, , oil on canvas. △ (R.)《This is an Angel》Artist: István Sándorfi, 116 x 89 cm, oil on canvas, 1990.

△ (L.)《The Meanders of Comparison》Artist: István Sándorfi, 195 x 220 cm, oil on canvas, 1986. △ (R.)《Muse Touch》Artist: István Sándorfi, , oil on canvas. “I never had the impression that I really knew how to paint, not in the past, not now. If you paint, you are simply never satisfied.” —— István Sándorfi

雕塑家 Ron Mueck (1958 -) 出生於澳洲墨爾本，父母是德國人，他現在的工作室和生活重心全在英國。 早些年，Mueck 曾在澳洲兒童電視節目裡工作過，任職創意總監，並負責玩偶模具的開發。之後，到倫敦成立自己的公司，為廣告業提供逼真的寫實道具和電子動畫。直到1996年，Mueck 才轉職成為專業雕塑家。 直到目前為止，世界各地展覽過作品的國家計有：美國匹茲堡的安迪．沃霍美術館、日本金澤市21世紀美術館、渥太華加拿大國家美術館、美國德州沃思堡現代藝術館、澳洲墨爾本維多利亞國家美術館和基督城美術館。2002年，澳洲國家美術館曾花了80萬澳幣收藏 Mueck 的作品《孕婦 Pregnant Woman》。 【作品主題與風格】 Mueck 作品主題始終以人物為主，他不做真人大小的雕塑，他說每天一出門真人大小的「作品」看都看膩了，所以沒興趣。 因此他作品的體積不是很大、就是很小。大小不是重點，他作品最大的特色與風格是：用人體作品不斷探索、挖掘「人」的「生」與「死」的問題。哲學意味相當濃厚。 △ (L.)《A Girl》Sculptor: Ron Mueck, about five metre long, mixed media, 2006. △ (R.) 雕塑家 Mueck 工作的神情，相當專注，一如專注於探索「人」的本質。 " I never made life-size figures because it never seemed to be interesting. We meet life-size people every day." — Ron Mueck

△ (Both)《In Bed》Sculptor: Ron Mueck, 161.9 x 649.9 x 395 cm, Polyester resin, fibreglass, polyurethane, horse hair, cotton, 2005.

△ (Both)《Pregnant Woman》Sculptor: Ron Mueck, 252 cm. high, Pigmented polyester resin on fiberglass, 2002.

△ (L.)《Man in a Boat》Sculptor: Ron Mueck, 75 meters high, Mixed media, 2002. △ (R.)《Wild Man》Sculptor: Ron Mueck, 2005.

畫家卡薩斯 (Juan Francisco Casas, 1976 -) 出生在西班牙的自治區安達盧西亞，目前被認為是西班牙畫壇較具影響力的年輕畫家之一。年輕敢衝，即使每張作品的畫幅不小，他還是堅持使用藍色原子筆作畫，因此，每件完成的時間頗為耗時。 他的學歷很高，B.A.、M.F.A. 和 PhD 全在西班牙格拉納達大學 ( The University of Granada) 完成。當今，他的工作地點往來於法國巴黎及西班牙馬德里兩地。 【作品主題與風格】 卡薩斯的畫風其實相當平凡而庸俗，幾乎可說是隨著年輕人的興趣喜好而起舞，「性」之外還是「性」。表現手法有時是直截了當，有些時候則以局部隱喻。 酗酒、光著膀子、拍立得照片、做愛、淋浴......，都是時下年輕人難能抑制的放蕩行為，而卡薩斯描述的繪畫技巧卻是加以誇張，幾近誇張漫畫的表現手法。這，也正是他的獨特風格。 △ (L.)《Aliskillafrombehind#1》Artist: Juan Francisco Casas, 2011. △ (R.) 畫家卡薩斯作畫的情景，不脫本色，連表情都有些誇張。

△ (L.)《GIULIADRINKSTHECLASSICS》Artist: Juan Francisco Casas, 40x26cm, Bic ballpen on paper, 2012. △ (R.)《AQUAFAN#12》Artist: Juan Francisco Casas, 180x140cm, Bic ballpen on paper, 2012.

△ (L.)《IRENEFUCKARTLOVEARTIST#2》Artist: Juan Francisco Casas, 140x120 cm, Bic ballpen y Edding marker on paper, 2012. △ (R.)《LIFEISHARD》Artist: Juan Francisco Casas, 100x60cm, Bolígrafo Bic sobre papel, 2009.

△ (L.)《YOSOY+FUERTEQUEYO》Artist: Juan Francisco Casas, 26x40cm, Bic ballpen on paper, 2012. △ (R.) 卡薩斯個展的會場，從觀賞者的身高可以比較出畫作的大小。他不用一般的畫筆，而是以原子筆一筆一筆慢慢地塗畫勾勒出來。

提起畫家查克．克洛斯（Chuck Close, 1940－），幾乎無人不知無人不曉，甚至連外國人士既使說不出他的姓名，但一提示說是超大型自畫像的藝術家，那麼，喔！可不就是那位坐在輪椅上還繼續作畫的美國畫家？克洛斯向來備受推崇，他創新的繪畫風格塑造起另一款亮麗絢爛的美國風格。 克洛斯出生於華盛頓州的小鎮門羅市（Monroe），11 歲時失去父親，母親帶他造訪過西雅圖美術博物館，看到抽象瀝青滴彩畫家 Jackson Pollock 的作品時，年紀輕輕的克洛斯深鎖著眉頭、期期不以為然，繪畫哪是這副德性呢？結果三兩天之後，克洛斯竟然也學著 Pollock，在他的習作上，一滴一滴地淋上色彩。縱或不成熟，卻也打開了他一輩子追求藝術的道路。 克洛斯一生的教育過程相當優異，大學在西雅圖華盛頓大學完成，1964年從耶魯大學取得 MFA 學位，當過高中美術老師， 1967年去到紐約蘇荷區創立起自己的工作室。1988年12月7日，克洛斯出席一項藝術的頒獎典禮時，突覺胸部疼痛劇烈，最後確定是罹患了脊椎動脈崩潰，從此一輩子靠著輪椅從事創作活動。 今天，克洛斯依舊身處紐約，每天埋身在輪椅上，仍舊孜孜不倦勤於創作他的人像畫。 【作品主題與風格】 克洛斯的繪畫風格十分特殊，雖然以人像畫為主，可是畫幅卻是奇大無比（請注意底下畫作的尺寸），特殊之處在於：不斷嘗試把印刷的觀念引進到繪畫的創作裡，也就是說，人像畫的組合是由放大幾千倍、類似印刷的網點所組合而成。 觀賞者喜歡與否是另一回事，但，他創新的手法與技巧卻是一種史無前例的嘗試，藝術創作不見得要取悅於所有人，只要能夠提出新的理念或創新的作為，依然有其存在的空間及理由。 　 △ (L.)《Phil》Artist: Chuck Close, 108-1/2" x 84", Oil on canvas, 2010-2011. △ (R.)《April》Artist: Chuck Close, 100 x 84", Oil on canvas, 1990-1991.

△ (L.)《Big Nude》Artist: Chuck Close, 117 x 253", Oil on canvas, 1967. △ (R.) 畫家 Chuck Close。

△ (L.)《Emma》Artist: Chuck Close, 43 x 35", 123-color Japanese woodcut, 2002. △ (M.) 畫展場裡觀賞者努力欣賞的姿態，畫幅超大之外，其繪畫技巧還是值得探究。 △ (R.)《Mark》Artist: Chuck Close, 108 x 84", Acrylic on canvas, 1978-1979.

△ (L.)《Self-Portrait》Artist: Chuck Close, 102 x 84", Oil on canvas, 1997. △ (R.)《Agnes》Artist: Chuck Close, 102 x 84 in., Oil on canvas. 1998.

△ (L.)《President Bill Clinton》Artist: Chuck Close, 108-1/2" x 84", Oil on canvas, 2006. △ (R.)《Leslie/Watercolor》Artist: Chuck Close, 72-1/2 x 57", Watercolor on paper on canvas, 1972-1973.

畫家傑里．奧特 (Jerry Ott, 1947－) 畢業於 Mankato State College, Mankato 和 University of Minnesota, Minneapolis，畫作畫風十分優美迷人。 他擅用噴槍 (Airbrush) 進行作畫，自認為受到台灣畫家陳昭宏的啓迪與影響頗大，表現女性肌膚的質感，他認為還是用噴槍最能稱職表現而且恰如其份。 【作品主題與風格】 奧特的畫作主題大多以裸女為主，千嬌百媚，其結構的組合能力幾盡完美而嚴謹。噴槍噴出絲布和塑膠布的極緻質感，鮮少有人能出其右。 以光與影作為結構的主要元素，在嚴謹的畫幅結構裡，散發出一脈脈「詩意盎然」的氛圍，有時古典雅緻，有時卻是現代感十足，異常難能可貴。 △《Jilda with Goldfish Bowl》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel.

△《Carol and the Paradise Wall》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel.

△ (L.)《Models》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel. △ (R.) Jerry Ott 在他的畫室裡。

△《Judy》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel.

△《Untitled》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel. △《Technicolor Lascaux (With Non-Cursing Very Moral Woman)》Artist: Jerry Ott, 66" X 96", acrylic on panel, 2005.

△《The Popsicle Eater 1》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel.

△ (L.)《Study for Rumors in the Street (Two Heads)》Artist: Jerry Ott, 32"x44", acrylic on panel, 2005-06. △ (R.)《Rape of the Daughters》Artist: Jerry Ott, 60 x 48 in., acrylic on paper and wood panel, 2007.

△《Blue Michelle》Artist: Jerry Ott, acrylic on panel and aluminum.

畫家 Franz Gertsch (1930－) 出生於瑞士小鎮 Mörigen，目前他是瑞士相當知名的畫家，擁有自己的美術館 Museum Franz Gertsch。 他的木刻 (Woodcuts) 作品同樣知名享譽於國際。當今，他居住在瑞士 Ruschegg。 【作品主題與風格】 Gertsch 作品的畫幅巨大無比，主題除了人像、人物，對於四季風景的著力著墨亦是非常精湛而沉穩。人像以及表演人物方面，色彩與光線的處理功力極其穩健紮實，尤其人像表情神韻的掌握與處理，獨到之處往往更要令人為之一震，深深令人著迷。 風景部份，構圖的營建十分嚴謹，寧靜而平實，大匠氣宇溢於畫面，仕紳風範如影隨形，作品總流蕩著一份寧靜與祥和。 △ (L.)《Johanna I》Artist: Franz Gertsch, 330 x 340 cm, Acrylic on unprimed cotton, 1983/84. △ (R.) 畫家 Franz Gertsch 於其作品之前，外表一派紳士典範，親和力很強。

△《Silvia III》Artist: Franz Gertsch, 315 x 290 cm, Mixed media on unprimed cotton, 2003/04.

△ (L.)《Marina schminkt Luciano [Marina Makes Up Luciano]》Artist: Franz Gertsch, 234 x 346 cm, Acrylic on unprimed cotton, 1975. △ (R.) Franz Gertsch 的作品《Johanna II》，曾經於 2012 年 4 月在舊金山灣區的酒鄉 Napa Valley 畫廊展出。

△《Franz und Luciano [Franz and Luciano]》Artist: Franz Gertsch, 198 x 298 cm, Acrylic on unprimed cotton, 1973.

△ (L.)《Grass》Artist: Franz Gertsch, 268×183cm each, woodcut (2 plates), 2007. △ (R.)《Schwarzwasser I》Artist: Franz Gertsch, 234 x 181 cm, woodcut 18/20 on Kumohadamashi Japanese paper made by Ivano Heizaburo, 1990/91.

△《Winter [winter]》Artist: Franz Gertsch, 325 x 480 cm, Acrylic on unprimed cotton, 2009. △《Herbst [autumn]》Artist: Franz Gertsch, 325 x 490 cm, Acrylic on unprimed cotton, 2007/08.

美國畫家 Robert Neffson (1949－) 以世界各地城市的街景繪畫著稱於當今畫壇，他出生並成長於紐約，母親過世時他才七歲，由父親一手帶大。 學生時代就喜愛臨摹歐洲古典繪畫，頗受許多師長的賞識，1971年以優異成績畢業於波士頓大學（Boston University College of Fine Arts, unit of Boston University）藝術學院。以全額獎學金再就學於緬因州的 Skowhegan 藝術學校和麻薩諸塞州的 Tanglewood 藝術學院，1973年獲得美術碩士學位。之後除任教於麻州 DeCordova Museum 及波士頓 Fisher College 外，最後得到麻州藝術和人文學科基金會及伊麗莎白紀念基金會的資助，用以支持他藝術創作的工作。 1976年，因於獲取羅馬海斯獎學金的緣由，Neffson 曾旅居義大利，也曾在新墨西哥州的羅斯威爾博物館和藝術中心當過一年駐地藝術家。紐約布魯克林 Pratt Institute 和紐約藝術學生聯盟（Art Students League of New York）都有他執教過的身影。 【作品主題與風格】 Neffson 描述街景的畫風，比較趨近於歐洲的寫實風格，這應當與學生時代特別醉心於歐洲古典繪畫以及遊學過義大利有關，沈穩練達，被列入為超寫實主義的一員大將，順理成章，也是可以預期。 △《57th Street and 5th Avenue》Artist: Robert Neffson, 48 x 72", oil on linen, 2010.

△ (L.)《Grand Central Window》Artist: Robert Neffson, 62 x 98", oil on linen, 2012. △ (R.) 畫家 Robert Neffson 與寵物小狗在紐約畫室寓所的陽台上，背後正是他作品裡的街景主題。

△《57th street》Artist: Robert Neffson, 56 x 79", oil on linen, 2011.

△《LINCOLN CENTER》Artist: Robert Neffson, 24" x 64", oil/linen, private collection. △《PARK AVENUE》Artist: Robert Neffson, 24" x 60", oil/linen, private collection.

△ (L.)《LOUVRE, PYRAMID》Artist: Robert Neffson, 44" x 64", oil/linen, private collection. △ (R.) 2012 年4 月 Neffson 在紐約 Bernaducci Meisei Gallery 個展的海報。

△《Notre dame de》Artist: Robert Neffson, 52 x 74", oil on linen, 2011.

畫家 Willem van Veldhuizen (1954－) 出生在荷蘭鹿特丹，以博物館室內場景的繪畫作品揚名於畫界。他獨樹一幟的特定題材，加上窗明几淨的風格，塑造成他繪畫作品簡潔乾淨的鮮明標誌。 【作品主題與風格】 Veldhuizen 創作構圖幾乎自有他一個固定的既成模式：習慣性把水平線拉高，讓畫布頂端很小比例的空間放置著牆壁或者可以透視外界的玻璃窗門，下端則是一大片含有反光折射的亮麗地板。 光線、陰影、折射，是 Veldhuizen 進行結構的絕竅法門，也唯有他，可以將畫面處理得一塵不染。岑寂寧靜、現代感的組合結構，則是他作品裡散發出的另一種迷幻般的迷人風格。 △《Domestic view with white statue》Artist: Willem van Veldhuizen, 60x80 cm, acrylic on canvas, 2011.

△ (L.)《Three Red Chairs, London》Artist: Willem van Veldhuizen, 100x130 cm, acrylic on canvas, 2012. △ (R.) 畫如其人，畫家 Willem van Veldhuizen 就是整潔、乾乾淨淨，相當 Yuppie。

△《Tate Modern, London》Artist: Willem van Veldhuizen, 70x100 cm, acrylic on canvas, 2012.

意見主題：【◆ 超寫實（Hyperrealism）繪畫與雕塑 ◆】

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